No silêncio raro de uma fotografia de Claudio Abate, de 1975, Marisa Merz (1926–2019) volta as costas para a câmera. Seus olhos, voltados para a lua através de uma janela aberta, parecem indagar sobre a própria natureza da representação e da autoria. Vestindo suas "Scarpette" (Sapatos), feitas de nylon trançado, ela encarnava um ethos artístico que rejeitava papéis preestabelecidos: "O artista é um papel já estabelecido, como a esposa, o filho. Mas eu não sigo esses papéis", declarou em 1975. Essa postura evasiva, essa recusa em se deixar capturar plenamente, ecoa em toda a sua obra, tornando a retrospectiva "Marisa Merz: La danza delle ore" (A Dança das Horas) um convite à contemplação de um universo em constante transformação.
Merz foi a única mulher associada ao Arte Povera, um movimento que, nos anos 60, clamava contra a mercantilização da arte e celebrava a presença e a materialidade através de meios não convencionais. Contudo, mesmo nesse círculo de iconoclastas, ela se manteve como uma figura singular. Sua obra entrelaçava o trabalho doméstico — vista em seu filme "The Count" (1967) separando grãos na cozinha — com experimentações materiais que, embora inicialmente ofuscadas, ganharam reconhecimento póstumo. Instalações de alumínio, piscinas de parafina e formas tecidas, antes vistas como marginais, hoje são celebradas em grandes exposições, culminando com o Leão de Ouro na Bienal de Veneza em 2013.
O Ateliê e o Lar
A retrospectiva, espalhada por três instituições em Turim, evita um percurso cronológico rígido, refletindo a própria dificuldade em fixar a biografia e a obra de Merz. A Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea (GAM) destaca a superposição entre estúdio e casa, um tema recorrente que dissolve as fronteiras entre a vida privada e a criação artística. A Fondazione Merz mergulha em seus experimentos materiais, enquanto o Castello di Rivoli explora seu engajamento metafísico com o espaço. Em todas elas, temas como transparência, metamorfose e alquimia se manifestam, convidando o espectador a uma jornada não linear, tal qual a própria artista parecia conceber a arte: um processo contínuo, sem um ponto final definitivo.
A Arte da Incompletude
O título da retrospectiva, "A Dança das Horas", sugere um fluxo perpétuo, uma coreografia de ideias que nunca se encerra. Merz raramente datava ou titulava suas composições, lutando para considerá-las concluídas. Sua obra mais conhecida, "The Living Sculpture" (1966), um emaranhado de alumínio costurado que originalmente pendia do teto de sua casa, hoje se apresenta em fragmentos cintilantes. As "Testine" (Cabeças), uma série de esculturas de argila feitas ao longo de décadas, permanecem sem queima, mantendo as marcas rústicas de seu corte. Rostos abstratos, pintados e desenhados em diversos suportes, surgem distorcidos e borrados, como se em movimento. Há uma provisionalidade que impregna o conjunto, um convite tácito a imaginar que a artista poderia, a qualquer momento, retornar com agulha, lápis ou pincel.
Diálogos Contemporâneos
Para ressaltar a persistência e a evolução de suas ideias, a exposição propõe encontros entre Merz e artistas mulheres contemporâneas — como Leonor Antunes, Thea Djordjadze e Miriam Cahn — cujas obras dialogam com sua linguagem. Tacita Dean, por exemplo, foi convidada a criar filmes e fotografias no lar e ateliê de Merz. O resultado são imagens que quase invadem a intimidade da artista, contrapondo-se à sua aversão à captura fotográfica, mas que, paradoxalmente, acentuam a ausência palpável de Merz em sua própria obra. As fotografias de Dean abrem o mundo privado da artista, capturando suas criações em meio a móveis e fotos de família, antes de serem deslocadas para as galerias assépticas. Essa abordagem, ao mesmo tempo que revela, reforça o mistério.
Perguntas em Aberto
Ao deixar a retrospectiva, a sensação é de que a prática de Marisa Merz se torna ainda mais fugidia. Críticos anteriores já haviam notado essa característica: "No instante em que é definida, ela foge", escreveu Germano Celant em 1992. Suas obras, como a própria artista, são quiméricas, mutáveis com a luz, borrando as bordas e escapando do olhar. A questão que paira não é se a obra está completa, mas se a própria noção de completude é um constructo limitador. Merz nos força a repensar o que significa terminar algo, sugerindo que a arte, em sua essência, reside no processo contínuo de devir, na dança incessante de suas horas.
A arte de Marisa Merz convida a uma reflexão sobre a impermanência e a fluidez, desafiando a necessidade de um ponto final. Sua obra permanece viva, um convite a observar a beleza na transitoriedade e a questionar as definições que impomos à criação. Com reportagem de Brazil Valley
Source · ARTnews
